Aquarellissime

Iris

Aquarellissime — 2009-02-12T17:33:04Z

Les iris, ces fleurs délicates aux couleurs éclatantes et à la forme un peu étrange ne sont pas très faciles à réaliser.

Déjà, le dessin de départ est un peu délicat : ces magnifiques fleurs ont une forme bien particulière, avec des pétales qui tombent vers le bas et d'autres qui se dressent vers le ciel, les uns pouvant cacher les autres, selon l'angle de vue de la fleur !

Les feuilles, par contre sont plus simples à réaliser, très longues, étroites et pointues à leur extrémité.

Voici quelques astuces pour leur réalisation :

Les pétales dressés étant plus clairs que les pétales qui retombent, la technique utilisée pour les réaliser est différente.

- Pétales dressés : ils sont réalisés dans l'humide mat.
On mouille la surface à peindre, on attend que l'eau pénètre un peu dans le papier puis on dépose la couleur, avec la pointe du pinceau, à l'endroit où elle doit être la plus concentrée.
On rince alors le pinceau pour tirer la couleur déposée, progressivement, dans l'humide, vers les bords de la zone, effectuant un dégradé qui donne un effet de volume.
On peut envoyer quelques gouttes d'eau propre dans la partie la plus claire pour repousser les pigments vers le bord coloré.

- Pétales qui retombent : ils sont réalisés sur papier sec. On pose les deux couleurs utilisées (pour moi jaune et bleu/violet) bien crémeuses (liquides mais avec beaucoup de pigments) à chaque extrémité du pétale, en laissant des blancs et aussi, entre les deux, une zone assez importante vierge.
Puis, avec le pinceau propre et mouillé, on humidifie la zone laissée blanche et on fait fuser tour à tour les deux couleurs dans l'humide, de façon à ce qu'elles viennent se mêler légèrement dans l'espace plus clair qui les sépare !
La difficulté consiste à bien doser l'eau dans la couleur de départ mais aussi dans la zone centrale afin que la fusion se fasse et soit la plus harmonieuse possible !

Les équerres

Aquarellissime — 2009-02-12T17:03:34Z

Lors d'une séance de peinture "sur le motif", on peut constater qu'il est extrêmement difficile d'isoler un sujet intéressant, dans un panorama à 360° allant de la terre jusqu'au ciel !

Le viseur d'un l'appareil photo peut aider un peu, dans cette tâche mais il est extrêmement petit et ne possède pas forcément un format adapté à la feuille de papier aquarelle que l'on souhaite utiliser.

Une simple paire d'équerres, faite de 2 L en carton renforcé , peut donc être un outil très performant dans le choix de ce qui est à conserver et à ignorer sur le terrain, mais aussi dans une photo ou dans un croquis.

Sur le terrain, configurées en carré ou en viseur extra large, les équerres permettent d'isoler le sujet du reste du paysage pour en évaluer le potentiel tout en s'adaptant au format de la feuille dont vous disposez.

A partir d'une photo, les équerres permettent de choisir le meilleur cadrage ou même de fournir plusieurs sujets.

Pour recouper une aquarelle déjà terminée et dont le cadrage vous paraît quelque peu déséquilibré, les équerres sont aussi d'un grand secours !

Comment les fabriquer :
il faut les découper dans du carton renforcé de couleur neutre (gris ou noir mat ou blanc, chutes de carton à passe-partout par ex).
le mieux est d'en posséder plusieurs paires, une grande de 25 x 21,5 x7 cms et une autre plus petite de 12 x 9 x 3,5 cms par ex, plus pratique pour les photos ou le terrain.
Ces mesures sont données à titre indicatif : à vous d'adapter vos équerres à vos besoins.

William TURNER

Aquarellissime — 2009-02-12T16:51:01Z

William TURNER est certainement l'un des plus grands peintres aquarellistes du XIXe siècle, le plus connu du grand public encore actuellement et l'un des plus grands paysagistes anglais.
Le critique d'art John RUSKIN, contemporain de l'artiste et fervent admirateur de son oeuvre, disait de lui qu'il "avait trouvé une liberté d'espace, une brillance de la lumière, une variété de couleurs, une simplicité des formes en général" qui inspirèrent et influencèrent les Impressionnistes, notamment le grand Claude MONET .

William TURNER naît à Londres en 1775, d'un père barbier-perruquier.
Talent précoce, il expose à l'âge de 15 ans, sa première aquarelle à la Royal Academy dont il devient membre en 1799.
En 1802, il entreprend son premier voyage en Europe où il visite Paris et la Suisse. En arrivant à Venise pour la première fois en 1819, il est transporté par la qualité de la lumière et la situation incomparable de cette ville entre ciel et mer !
On peut dire qu'à cette époque, son champ de travail s'élargit et sa palette limitée de pigments bleus-gris s'éclaire considérablement : il y réalise quelques-unes de ses plus originales compositions.
Dans les années 1830, il est découvert par le critique d'art RUSKIN qui se passionne pour son oeuvre : cette période de transition le conduit vers des travaux plus abstraits et, dans les années 1840 à une vie recluse.
Il meurt en 1851, léguant à la Nation toute son oeuvre dont la collection d'aquarelles est actuellement exposée à la Tate Britain de Londres.

Voici la boîte de peinture de TURNER, contenant son matériel de travail : flacons de pigments en poudre, sachets de pigments en pâte.
L'artiste se sert de ses doigts pour mélanger et étaler la peinture : il incorpore des taches, des pâtés et autres heureux accidents à ses toiles !
Souvent, il imbibe le papier de peinture jusqu'à saturation, l'égratigne, le déchire, le frotte frénétiquement à la brosse jusqu'à ce qu'il ne ressemble plus à rien !!!
Il s'est également laissé pousser un ongle pour pouvoir gratter la couleur fraîchement peinte sur la toile.

L'une des oeuvres de TURNER les plus connues est Le Grand Canal tableau de 218 x 319 mm peint vers 1840.

Ce tableau de Venise et de la Lagune par temps d'orage dépeint la métamorphose du Grand Canal sous la tempête : les scènes de tempêtes spectaculaires sont très prisées des Romantiques de l'époque.

TURNER utilise, dans ce tableau, tout un répertoire de lavis frottés, de détails estompés sur papier humide, du bout d'un pinceau qu'il manie, à d'autres endroits, avec audace, de lignes linéaires à la plume en technique sèche.
Les tons chauds des rouges terreux, et des jaunes stridents se pressent au premier plan, étant équilibrés par des violets et des bleus froids qui attirent l'oeil vers l'horizon

Des coups de pinceau verticaux "enfoncent" les bâtiments dans l'eau tandis que les traits horizontaux définissent la surface de la mer.
Les façades se confondent avec leur reflet de sorte que la ville semble flotter dans l'espace !

Cette illusion d'une ville flottante n'est pas la vraie Venise mais tout simplement sa propre vision de la ville, qu'il est le premier à peindre de cette manière, sous un voile de brouillard, baignée de soleil ou encore vue de loin.

Sublime, non ?

Raoul DUFY

Aquarellissime — 2009-02-12T16:36:01Z

Le Français Raoul DUFY fut l'un des artistes les plus éclectiques et les plus doués du début du XXe siècle.

Cette période, révolutionnaire pour la peinture française, fut riche de nouveaux courants artistiques avec lesquels il flirta abondamment sans pourtant en adopter aucun en particulier. DUFY développa son propre style, unique, fait d'élipses eloquentes superposées à des taches éclatantes.

Même s'il peignit principalement à l'huile, DUFY aimait l'aquarelle pour sa rapidité et sa fluidité d'utilisation qui convenaient magnifiquement à sa spontanéïté naturelle. Elle représentait aussi pour lui le moyen idéal de coucher sur le papier ses idées, en vue de futures toiles, de tapisseries, de tentures ou de peintures murales de plus grande envergure.

Voici ce qu'il écrit, à ce sujet :

"C'est l'aquarelle qui offre les plus grandes possibilités en matière d'improvisation. Ce médium, pour ainsi dire fluide, est aussi très rapide d'utilisation, puisque la transition entre les couleurs s'effectue déjà par le blanc du papier."

Voici un exemple d'exploitation, par l'artiste, de ce médium "expressif et audacieux", dans une étude florale exubérante : Anémones, 1929-1933, 500 x 490mm

Raoul DUFY naît au Havre en 1877.
De 1900 à 1903, il est titulaire d'une bourse des Beaux Arts de Paris et il subit l'influence des impressionnistes MONET et PISSARO.
A partir de 1905, enthousiasmé par l'oeuvre de Matisse et des Fauves (appelés ainsi en raison de leur prédilection pour les couleurs violentes et les formes distordues), il délaisse l'impressionnisme en faveur de l'approche fauviste de la couleur.
De 1910 à 1919, il fait de la gravure sur bois et crée des motifs pour tissus avec le couturier Paul POIRET. Il réalise des gravures sur bois et des lithographies pour des illustrations.
En 1920-21, il abandonne la plupart de ses travaux lucratifs pour se remettre à la peinture. Son style se développe complètement lors d'un séjour sur la Côte d'Azur.
De 1922 à1937, il voyage en Italie, au Maroc et en Angleterre. Passionné par l'art persan, il dessine des tapisseries, tentures, décors de théâtre, et motifs de céramiques.
De 1938 à 1952, il continue à peindre malgré une arthrite invalidante et en 1952, il gagne le premier prix à la Biennale de Venise. _ Il meurt en 1953, d'une crise cardiaque, et lègue son oeuvre à la Nation : celle-ci est exposée à Paris, au Havre et à Nice.

Après l'austérité de la première guerre mondiale, la gaieté et la verve de DUFY trouvevt une résonnance immédiate au sein de cette génération marquée par l'essor du jazz.
Aujourd'hui encore, son oeuvre reste un excellent témoin de cette époque insouciante et élégante, emprunte de joie de vivre, comme l'illustrent les deux oeuvres reproduites ci-dessous :

Vue du Suquet à Cannes, 1925, 490 x 635 mm : Cette oeuvre est typique de DUFY, spirituelle, débordante d'amour de la vie !
En surimpression de lavis fluides aux couleurs éclatantes, des traits vifs expriment le mouvement, la joie de vivre, la lumière. La côte d'Azur était l'un des sujets favoris du peintre.

Foule élégante à Epsom, 1939, 500 x 650 mm : DUFY est particulièrement connu pour ses scènes de courses et de régates, sujets pleins de mouvement qui l'attiraient particulièrement ! _ Personnages et chevaux semblent traverser cette aquarelle comme des notes de musique.
Dufy saisit les différentes attitudes en quelques traits, laissant les couleurs déborder de leurs contours comme pour accentuer leur déplacement dans l'espace.
Quelques touches à la gouache blanche suggèrent la lumière qui tombe sur les personnages du premier plan.

Paul CEZANNE

Aquarellissime — 2009-02-12T16:17:15Z

On connaît bien CEZANNE pour ses paysages magnifiques d' Aix en Provence et sa région, (dont il était originaire) ou pour ses natures mortes, réalisés en huile sur toile.
En revanche, on connaît un peu moins l'importante collection d'aquarelles qu'il nous a laissée.

Paul CEZANNEnaît à Aix en Provence en 1839 : son père est un riche banquier.

Dans les années 1860, il poursuit des études d'art à Paris où il rencontre Manet, Courbet, Pissaro, Monet et Renoir : à cette époque, il peint des sujets érotiques et violents, dans le style romantique.

A partir de 1870, il installe son atelier à Aix en Provence, dans le Sud de la France et sa peinture est très fortement influencée par Pissaro

En 1874 et 1877, il expose aux côtés des impressionnistes en se démarquant quelque peu de leur approche, très centrée sur la traduction des effets de lumière : lui s'intéresse davantage à la structure et à la géométrie de la nature, bouleversant totalement le concept de perspective linéaire.

En 1895, VOLLARD, marchand de tableaux, lui offre une popularité tardive : Cézanne conquiert ainsi les artistes de la jeune génération et contribue, par sa peinture "sculptée", réalisée à partir de points de vue multiples du motif, à la naissance du cubisme au début du XXe siècle.
Ses dernières oeuvres témoignent d'une technique plus libre qui se rapproche de ses débuts romantiques

Il meurt en 1906, en travaillant sur un portrait, à l'aquarelle, de son jardinier Vallier.

Dès 1880, Cézanne utilise de plus en plus fréquemment l'aquarelle dont le caractère spontané et les couleurs vives influencent bientôt sa peinture à l'huile.

Il utilise souvent le crayon sur et sous l'aquarelle pour en unifier la surface et lui donner de la texture.

Il commence souvent ses aquarelles au milieu de sa feuille, colorie les points cruciaux et laisse le regard compléter le reste.

Cézanne veut que ses toiles apparaissent à la fois structurées et en frontalité : au lieu de modeler les objets et de rendre la perspective par des jeux d'ombre et de lumière, il change de couleur chaque fois que la surface d'un objet change de direction et use de teintes pures et contrastées comme le rouge et le vert par exemple.

On voit très bien, ci-contre, les points contrastés de couleurs chaudes et froides posés à l'intersection des différents plans du rebord de la fenêtre.

Voici l'une des aquarelles tardives de CEZANNE, peinte entre 1900 et 1906 : il s'agit de la "Nature morte au pot de lait bleu", graphite et aquarelle sur papier, 46 X 61,5 cm.
Celle-ci dénote une assurance fondée sur une solide composition.

Le format horizontal et une palette restreinte aux verts, aux bleus, aux jaunes vifs et aux oranges chauds (couleurs de la Provence) ne sont pas sans rappeler et renforcer l'idée de paysage.
Une autre particularité, caractéristique des natures mortes de CEZANNE, est la quasi absence de profondeur pour évoquer la distance : le lambris et le mur poussent la composition en avant, sans insistance particulière sur les pommes par rapport au pot.
Le blanc du papier, très présent dans la nappe, attire le regard et sert aussi de rehaut aux lignes fluides des formes.
Sous l'aquarelle, les traits francs au crayon sont visibles, pour marquer, par exemple, le bord du lambrissage ou le contour des pommes qui semblent s'enfoncer dans la nappe.

"Je veux étonner Paris avec une pomme !", disait CEZANNE : pour lui, c'est le motif idéal pour travailler les différents aspects de la forme solide.

Franck GERMAIN - Bords de mer à l'aquarelle

Aquarellissime — 2009-02-12T15:59:39Z

Voici un fascicule traduit de l'anglais qui fait partie de la collection "Comment dessiner et peindre" publiée par Walter FOSTER.
Ce fascicule est consacré aux "Bords de mer à l'aquarelle".

Il propose des pas à pas très explicites (de Franck GERMAIN, aquarelliste californien) ainsi que de nombreuses explications permettant aux aquarellistes en herbe d'aborder ce sujet difficile sans appréhension.

Le prix de cet ouvrage est plus que raisonnable (environ 8 euros) : on le trouve dans les boutiques qui vendent du matériel pour les Arts Plastiques ou sur internet (cliquez sur l'image).

Si les marines sont votre sujet de prédilection, il vous apportera, je pense, une aide précieuse et pour vous en convaincre, voici l'une de mes aquarelles réalisée d'après un pas à pas trouvé dans cet ouvrage :

David NORMAN - Aquarelle, questions d'atelier, réponses d'artiste

Aquarellissime — 2009-02-12T15:44:10Z

Comme tout aquarelliste qui cherche à progresser dans son appréhension du médium pictural qu'il a choisi, chacun d'entre nous se pose perpétuellement un tas de questions auxquelles il ne trouve pas toujours de réponse satisfaisante et précise, n'ayant malheureusement pas de spécialiste sous la main tous les jours !!!!!

La lecture des nombreux ouvrages qui existent sur le sujet éclaire souvent notre lanterne mais elle n'est pas toujours directement et concrètement reliée au problème précis rencontré en atelier.

Il existe une collection, éditée chez Desain et Tolra qui aborde les choses exactement sous cet angle.
Elle est intitulée "Questions d'atelier, Réponses d'artiste" et 3 volumes y sont déjà parus : Acrylique, Peinture à l'huile et Aquarelle(dont vous pouvez voir, ci-contre, la première de couverture).

La lecture de ce livre suppose, comme le précise David NORMAN son auteur, "que vous possédiez déjà certaines notions du dessin, du papier, des pinceaux et autre matériel de base".

Chaque chapitre aborde des thèmes et des aspects techniques auxquels la plupart des aquarellistes se heurtent et lorsqu'un aspect se révèle plus délicat à cerner, une démonstration complémentaire, pas à pas, vous permet de mieux comprendre la ou les solutions proposées

Voici l'exemple d'un pas à pas proposé pour mettre en valeur 3 points essentiels dans la peinture des paysages urbains : le choix du point de vue, l'inclusion de personnages et de véhicules discrets, les détails des maisons.

Je vous livre également un florilège de questions auxquelles cet ouvrage apporte une réponse et qui ont suscité tout particulièrement mon intérêt pour ce livre :

Comment exprimer la transparence et l'opacité ?
Comment puis-je apporter de l'atmosphère à ma peinture ?
Comment puis-je créer un effet de fumée ou de brume ?
Comment puis-je donner une impression de mouvement à mes tableaux ?
Comment peindre des arbres et des feuillages expressifs en toutes saisons ?
Comment aborder les couleurs d'un paysage enneigé et représenter la chute des flocons ?
Comment représenter dans un paysage urbain, les voitures ou les passants ?
Pourquoi ne suis-je jamais satisfait de l'eau et des reflets que je peins ?
Comment puis-je obtenir, dans les portraits, une couleur de peau réaliste ?
…. et il y en a d'autres !

Adelène FLETCHER - Fleurs à l'aquarelle de A à Z

Aquarellissime — 2009-02-12T15:21:23Z

Il existe de nombreux ouvrages sur la peinture des fleurs car celles-ci semblent être une source d'inspiration particulièrement prisée des aquarellistes.
Il est vrai que la transparence propre à l'aquarelle fait d'elle un médium particulièrement adapté à ce type de sujet.
Parmi tous ces ouvrages, en voici un qui a retenu mon attention : il s'agit, dans la collection FLEURUS (décidément riche en ouvrages de qualité !) du livre d ' Adelene FLETCHER : Fleurs à l'aquarelle de A à Z.

Je trouve ce livre particulièrement complet pour les raisons suivantes :

Il passe en revue (au début) les principales techniques de l'aquarelle en les mettant en situation dans la peinture des fleurs par l'intermédiaire d'un exemple précis : cette sage précaution facilite le transfert, sur le papier, d'un savoir que nous possédons tous plus ou moins mais que nous ne savons pas exploiter, surtout si nous ne possédons aucune expérience sur le sujet à peindre.
Il propose, à lui tout seul, 50 espèces de fleurs : c'est bien le diable si vous ne trouvez pas celle de votre choix !
Chaque fleur dispose d'une double page où l'on peut trouver son portrait en grand format à l'aquarelle, le nuancier des couleurs utilisées, une mise en lumière des techniques propres à la fleur, des instructions pour la réalisation, étape par étape, des détails techniques permettant de mieux saisir les traits essentiels de la fleur, bref, de quoi être guidé intelligemment et efficacement .Voici un exemple de double page qui vous donnera une idée des choses :

On y trouve, enfin, une partie "Composition" qui apprend comment représenter des groupes de fleurs.

Les exemples proposés sont tous très beaux, la qualité des images excellente et vraiment, ce livre mérite beaucoup d'éloges.
Je pense qu'il peut être très utile pour progresser en peinture florale car il est, lui aussi, très accessible aux débutants.

Allez, je ne résiste pas au plaisir de vous offrir un dernier bouquet…….histoire de vous donner envie…..

Patricia SELIGMAN - Mieux peindre l'ombre et la lumière à l'aquarelle

Aquarellissime — 2009-02-12T15:20:44Z

"Un tableau sans lumière est un tableau sans vie." _ C'est par cette phrase que Patricia SELIGMAN, aquarelliste anglaise, commence son livre !
Celui-ci est publié aux Editions EYROLLES, dans la collection "Trait pour Trait" et s'intitule "Mieux peindre l'ombre et la lumière à l'aquarelle".

Cet ouvrage vous propose :

d'apprendre à repérer les contrastes de valeurs d'une scène pour n'en retenir que l'essentiel et structurer votre composition
de vous exercer en peignant ciels, ombres, variations diverses de la lumière, pour acquérir diverses techniques
de réaliser une dizaine de projets pas à pas

Le tout émaillé d'oeuvres d'artistes dont les reproductions sont de très grande qualité, ce qui ne gâte rien !

Yvon CARLO - Peindre la Bretagne à l'aquarelle

Aquarellissime — 2009-02-12T14:46:45Z

Voici un ouvrage de Yvon CARLO, édité chez Ouest-France qui permet au lecteur de découvrir la Bretagne à travers de très belles aquarelles.

Cet ouvrage , dont le titre est "Peindre la Bretagne à l'aquarelle", propose également des "pas à pas" grâce auxquels le lecteur aquarelliste peut réaliser lui-même quelques unes de ces magnifiques évocations de la Bretagne.

Ces aquarelles réalisées étape par étape sont relativement bien expliquées mais nécessitent tout de même quelques connaissances de base pour être réussies car tout n'y est pas entièrement détaillé.

Pour ma première réalisation, j'ai choisi le Canal de Nantes à Brest et voici le résultat obtenu :

L'auteur de ce livre est un grand amoureux de sa région : il n'a pas son pareil pour rendre la douceur et la nostalgie dont sont emprunts les paysages bretons.
Il partage avec le lecteur les subtilités de la technique de l'aquarelle nécessaires à leur transposition sur le papier.

Dans la collection Ouest France, il existe d'autres ouvrages similaires, sur d'autres régions (Provence, Picardie…) mais personnellement, je trouve que les aquarelles n'y sont pas aussi belles que celles d'Yvon CARLO.